Une proposition d’Asli Seven

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Petit-déjeuner de La Box
> samedi 29 mai / 10h30
En présence d’Asli Seven – commissaire de l’exposition

Not All Of Me Will Die,
performance participative de David Maroto
> 17 juin 2021 / 14h-19h
David Maroto propose l’oralité comme mode de dissémination
de son roman éponyme apportant une réfléxion sur la mémoire,
l’écriture et le désir de postérité.

Performance sonore et projections
> 18 juin 2021 (horaires à définir)
Performance d’une pièce sonore par Valentina Traïanova,
issue d’une conversation à distance avec Eduardo Cruces.
Résultats d’un atelier de traduction collective par Nihan Somay.
Projection d’une série d’œuvres vidéo.

Les expressions “Vivre Parmi” et “Tourner Ensemble” proviennent des racines étymologiques et de l’histoire des usages du mot conversation. Puisant dans les aspects corporels, affectifs et collectifs de l’histoire du mot, l’exposition ramène le corps, la polyphonie et la communauté dans la conversation.
Depuis son origine en latin « tourner ensemble » jusqu’au XVIe siècle, la conversation a conservé en français la signification unique de « vivre ensemble », et en anglais, de « manière de se conduire dans le monde », mobilisant l’idée d’interactions entre un organisme et son environnement. À la manière de l’improvisation collective, c’est un jeu de miroirs qui repose sur l’écoute active et multiple de chacun.e envers les autres et qui caractérise la conversation comme medium : écouter l’écoute de l’autre, l’écoute de soi et écouter les intervalles de silence qui composent l’ensemble de la situation. On vit parmi les phonèmes, les rythmes, les sons et les gestes. On tourne ensemble vers la création collective et le réel symbiotique, on se délecte de l’inachèvement. Qu’il s’agisse « d’un vivre ensemble » avec d’autres intelligences vivantes ou non-vivantes, des formes de communication avec les spectres et les fantômes, du concept du « phénotype étendu » ou encore de la transmission intergénérationnelle des gestes et des formes, la conversation est multiple, polyphonique, et elle fait communauté. À travers différents battements marquant la présence et l’absence de sons et d’images composant les œuvres, l’exposition elle-même respire et bouge selon les rythmes circadiens. De la conversation entre les œuvres émerge la possibilité d’un organisme composé de mémoire et de souffle, prolongeant la conversation au-delà d’une communauté de langues, d’esprits et de corps humains, vers des spéculations sur les origines climatiques, minérales et botaniques du langage.

Issue d’une recherche curatoriale de plusieurs années et reposant sur des dialogues de longue durée, l’exposition comporte une réflexion sur la conversation comme méthode et comme contexte d’émergence et de réception de toute forme artistique et elle se pense comme une conversation en cours.

Certaines œuvres composant live among and turn together seront activées et altérées à travers une programmation de performances et ateliers.
Ainsi, le 17 juin, la performance participative Not All Of Me Will Die de
David Maroto aura lieu, expérimentant avec l’oralité comme seul mode de dissémination du roman de l’artiste portant le même titre.
Une pièce sonore, issue d’une conversation à distance entre Valentina Traïanova et Eduardo Cruces sera conçue spécialement pour cette exposition et l’intégrera à partir du 19 juin, ainsi que les résultats d’un atelier de traduction collective conduit par l’artiste Nihan Somay.

Abbas Akhavan vit et travaille à Montréal, Canada. Sa pratique varie entre installations éphémères spécifiques au site et le dessin, la vidéo, la sculpture et la performance. Ses recherches sont profondément influencées par les sites où il travaille : les architectures qui les abritent, les économies qui les entourent et les personnes qui les fréquentent. Ses travaux récents se concentrent sur des espaces et des espèces à l’extérieur et à proximité de la maison – le jardin, la cour arrière et autres paysages domestiqués.
Akhavan est lauréat du Kunstpreis Berlin (2012), du Abraaj Group Art Prize (2014), du Sobey Art Award (2015) et du Fellbach Triennial Award (2016).
Les expositions récentes incluent Museum Villa Stuck, Munich, Allemagne (2017) ; Salt, Istanbul, Turquie (2017) ; David Roberts Art Foundation, Londres, Royaume-Uni (2017) ; Biennale de Sharjah 13, EAU (2017) ; Musée Solomon R. Guggenheim, New York, États-Unis (2016) ; et Delfina Foundation, Londres, Royaume-Uni (2012).

Milena Bonilla a une pratique de recherche artistique actuellement investie dans le colonialisme épistémologique et les différentes manières dont il affecte les organismes, le langage et les structures sociales. En identifiant les modèles, les lacunes et les silences dans des récits historiques spécifiques, l’artiste dessine des tensions entre des modèles politiques prédéterminés et des utilisations de la cognition. Ces exercices conceptuels et perceptifs se tissent à travers les multiples manifestations matérielles de son travail. Son travail a été présenté dans plusieurs institutions et événements internationaux, tels que Manifesta Biennial 13 – Les Parallèles du Sud, Marseille 2020 ; Montpellier Contemporain, Montpellier – 2020 tels que Framer / Framed, Amsterdam – 2019 ; Garage, Rotterdam – 2018 ; Le Rijksmuseum, Amsterdam – 2018 ; M HKA, Anvers – 2018 ; Ar / Ge Kunst, Bolzano – 2017 ; Kadist, San Francisco – 2018 ; Le Musée juif, New York – 2017 ; MAMM, Medellín, Colombie – 2015-2017 ; Atelier de printemps, Hong Kong – 2015 ; CA2M, Madrid – 2015 ; The Mistake Room, Los Angeles – 2015 ; MNBA, Buenos Aires – 2013 ; Institut des arts visuels internationaux, Iniva, Londres – 2010 ; Witte de With, Rotterdam – 2010 ; Konstall C, Stockholm – 2009 ; Biennale de Marrakech – 2014 ; 10e Biennale de La Havane, Cuba – 2009 ; 12e Biennale d’Istanbul – 2011 ; 9e Biennale de Shanghai – 2012 et 3e Biennale de Bucarest – 2008.

Eduardo Cruces vit et travaille Concepción, Chili. Il a un diplôme de Master de l’Edhea, Suisse, en Art dans les Sphères Publiques (2014) et une licence en arts plastiques mention Gravure, Université de Concepción, Chili (2010).
Ses recherches font la relation entre la terre et la communauté, avec une attention particulière portée à la manière dont les cycles économiques interrompent et modifient leur propre chemin vers le démantèlement. Il a conduit une recherche de terrain dans différentes zones désindustrialisées et reconverties, aussi bien en Amérique latine qu’en Europe ou en Océanie, dans le but de les relier entre elles. Des concepts tels que la copie et l’édition occupent une place particulière dans son processus artistique : à travers la reconversion du travail d’autres auteurs, ils génèrent une polyphonie d’interprétations et la possibilité de constamment actualiser ses questionnements en accord avec les contextes économiques et politiques dans lesquels ses œuvres s’inscrivent.

David Maroto est un artiste visuel espagnol basé aux Pays-Bas. Il a obtenu son doctorat de la Edinburgh College of Art, avec un projet de recherche intitulé The Artist’s Novel: The Novel as a Medium in the Visual Arts (Le Roman d’artiste: le roman comme un médium dans les arts visuels), récemment publié en deux volumes (Mousse Publishing).
En 2011 il a rencontré la curatrice Joanna Zielińska lors d’une résidence à l’ISCP New York, ils ont commencé la collaboration The Book Lovers, un projet de recherche sur le roman d’artiste. Cette collaboration a été accueillie par plusieurs institutions dont M HKA (Anvers) ; De Appel (Amsterdam) ; Whitechapel Gallery (Londres) ; Museum of Modern Art (Varsovie) ; CCA Glasgow ; Fabra i Coats (Barcelona) ; Index (Stockholm) ; et Ujazdowski Castle Centre for Contemporary Art (Varsovie). David a une pratique artistique internationale : 11e Biennale de La Havane ; Biennale Warszawa ; Artium, musée d’art contemporain (Vitoria); Extra City (Anvers); S.M.A.K. (Gand); EFA Project Space (New York); A Tale of a Tub (Rotterdam); et W139 (Amsterdam), entre autres. Il a publié de nombreux articles et édité diverses publications, dont Artist Novels (Sternberg Press, 2015); Tamam Shud (Sternberg Press, 2018) ; et Obieg Magazine no. « Art & Literature: A Mongrel’s Guide » ; (2018).

Nathalie Muchamad est née 1976 en Nouvelle-Calédonie – Océan Pacifique et vit actuellement à Lyon et Mayotte.
Son travail s’articule autour de vidéos, dessins, textes, installations. Elle prend en compte une géographie et son histoire en explorant la notion de multiplicité dans un monde connecté et multipolaire. Ses origines à la fois javanaises et calédoniennes questionnent l’idée d’une identité qui se déconstruit à travers la quête de l’histoire. Ses travaux récents interrogent l’héritage de la conférence de Bandung en Indonésie de 1955, dans le contexte actuel des constructions d’identités au sein d’une mutation des savoirs. Elle a participé à la section Rendez-Vous de la Biennale de Lyon 2017. En 2018, elle expose au Centre Wilfredo Lam de la Havane sous le commissariat de Isabelle Bertolotti, Ibis Hernández, Dannys Montes de Oca Moreda, et de Jorge Antonio Fernandez Torres. En 2019, elle participe au colloque de la Casa de las Americas à Cuba 60 ans de Révolution, Rebelles et Révolution. En janvier 2020, elle est invitée pour La Nuit des Idées par le centre d’art Le Magasin avec Minia Biabiany, Jean-François Boclé et Malcom Ferdinand autour d’une réflexion sur une écologie décoloniale. En collaboration avec l’Ecole des Mutants (Hamédine Kane/ Stéphane Verlet-Bottéro) elle produit You and me don’t live in the same planet pour la Biennale de Taipei – 2020 et Lieu Unique, UFA – Université des Futurs Africains, Nantes – 2021.

İz Öztat est née en 1981, à Istanbul, où elle vit et travaille. La pratique d’Öztat s’engage avec diverses formes et médias définis par ses recherches sur le retour du passé refoulé, traçant l’absence, la convergence de l’eau et de la liberté, les implications idéologiques de la présentation et la négociation des récits officiels à travers les possibilités de la fiction. Les processus collectifs sont au cœur de la pratique d’Öztat. Elle s’est engagée dans une collaboration intempestive avec Zişan (1894 – 1970) qui lui apparaît comme une figure historique, un fantôme et un alter ego. Elle est membre de BAÇOY-KOOP (coopérative d’impression, de reproduction et de distribution), un groupe qui utilise la technologie du miméographe pour l’édition collective et indépendante. Parmi ses expositions : Suspended, Pi Artworks Istanbul, Turquie (2019) ; Tamawuj, Sharjah Biennial 13, Émirats arabes unis (2017) ; Terre sans terre, Heidelberger Kunstverein, Allemagne (2016) ; Saltwater: A Theory of Thought Forms, 14e Biennale d’Istanbul (2015) ; Conduit en profondeur et projeté en longueur, Heidelberger Kunstverein, Allemagne (2014) ; Rendez-vous 13, Institut d’art contemporain, Lyon, France (2013); Here Together Now, Matadero Madrid, Espagne (2013).

Nihan Somay est née en 1988 à Istanbul. Elle travaille principalement en contexte et explore les possibilités de collaboration pour comprendre comment orienter le corps et la langue contre les effets du capitalisme : temporalité, division, effacement, hégémonie linguistique, formes de propagande, visibles et intériorisées, avec un besoin de s’appuyer sur l’humour et l’aventure comme outils conceptuels. Editions d’artistes, formes de texte, actes de discours, la langue, la traduction et les aspects performatifs qu’ils intègrent apparaissent comme des formes d’intérêt pour ses recherches.
Elle est titulaire d’une licence en arts visuels de l’Université Sabanci (Istanbul) et d’un Master en Arts dans les sphères publiques de l’École de design et de haute école d’art du Valais (édhéa) en Suisse. Elle est membre du collectif d’artistes KABA HAT depuis 2011 et fait partie de BAÇOY KOOP (Coopérative d’impression, de reproduction et de distribution).

Valentina Traïanova est artiste, interprète et chanteuse. Née à Sofia (Bulgarie), elle vit à Paris. Elle est arrivée en France en 1996, à Nice, où elle est apparue comme championne de planche à voile avant de poursuivre ses études.
Elle est diplômée de l’E.P.I.A.R. Villa Arson à Nice et Académie des Beaux-Arts Jules Pasquin à Sofia. Elle a cofondé avec Antoine Dufeu le duo Lubovda et la structure de production Nahda en 2011. Elle fait partie du projet Command-X de l’artiste new-yorkais Nicholas Knight. Dans une pratique jubilatoire où se croisent performance, dessin, chant, écriture, danse, pièces sonores, sa voix est matière à sculpter. Menant une réflexion sur le déplacement d’un champ de l’art à l’autre, elle a inventé la figure de la cantatrice-patineuse. Arrivederci, l’une des ses performances a notamment été présentée à La Monnaie de Paris et à la Sofia City Art Gallery dans le cadre de sa dernière exposition personnelle intitulée UOOOOooooOO (2018).

Asli Seven est commissaire d’exposition et écrivaine vivant et travaillant entre Paris et Istanbul. Ses recherches portent sur les formes de violence épistémique et infrastructurelles telle qu’elles s’incarnent à travers l’environnement construit. Elle s’intéresse aux pratiques de terrain, de fiction critique et processus de co-création. Elle expérimente depuis 2019 avec la fiction spéculative et plus généralement la fiction critique pour imaginer le commissariat comme une pratique « textile », génératrice de récits et de liens inédits, notamment à travers un roman court intitulé Tropical Cargo dont la publication est prévue pour le printemps 2022.
En 2020-21 elle est lauréate du programme de résidence CNAP et Cité des Arts pour les commissaires d’exposition. Elle est membre de l’AICA, de C-E-A (Association Française des commissaires d’exposition) et collaboratrice auprès de ICI (Independent Curators International).